Artistas quindianos donarán sus obras por una buena causa
La fundación Lazo Rosa busca recaudar recursos para
campañas de prevención contra el cáncer.
Con una exposición de 17 artistas quindianos y uno argentino, y
además una subasta de las obras, la fundación Lazo Rosa Colombia buscará
recaudar recursos para sus campañas de prevención contra el cáncer en el
Quindío.
Según Julieth Tejada Gil, presidenta de la fundación, los
artistas se unieron donando una o dos obras que estarán durante tres días
exhibidas en el Bolo Club de Armenia, entre el 1 y 3 de septiembre y el 4 del
mismo mes se venderán estas creaciones en una velada que comenzará a las 7:00
de la noche.
“A todos los quindianos que les guste el arte y las causas
sociales los invito a que se vinculen a esta gran obra”, dijo Tejada.
Las piezas en su mayoría son pinturas y fotografías de
reconocidos artistas del departamento como el maestro Henry Villada; la
especialista en arte digital y muralismo Viviana Spinoza; la ganadora del
concurso Sony World Photography Awards, Johana Peña y Gustavo Villegas que
viajará desde Nueva York para estar en la inauguración de la exposición.
También estarán las obras de Mayo Mejía, Diego Pava, Jorge
Gustavo Valencia, Juan José Salazar, Luis Capdevilla, Alex Montoya, Yolanda
Arango, Carlos Alberto Jiménez, Mildred Eugenia Gutiérrez, Juan Carlos
Marmolejo, Daniel Carvajal y César Duque.
La fundación también brinda transporte, alimentación y pañales a
personas de escasos recursos que padecen cáncer. Actualmente unas 28 personas
(niños y adultos) se benefician de la labor que presta Lazo Rosa en el
departamento. “Todo lo hacemos en aras de mejorar sus condiciones de vida”, explicó
la presidenta de la fundación.
Y señaló que también brindan asesorías jurídicas para instaurar
derechos de petición, acciones de tutela y desacatos frente a los tratamientos
médicos.
Por su parte el maestro Henry Villada manifestó que los artistas
no pueden estar ajenos a este tipo de causas, “el compromiso es acompañar y
abrazar estos procesos y si el trabajo de nosotros puede ayudar a una fundación
a menguar el dolor de unas personas enfermas de cáncer pues ahí tenemos que
estar”.
La iniciativa surgió luego de que el año pasado, el artista
argentino Luis Capdevilla donó una de sus obras tras participar en el cierre de
una jornada de prevención contra el cáncer.
“El maestro nos donó la obra y ahí nació la idea, empezamos a
contactar a los artistas y lo más bonito fue que ninguno titubeó para decirnos
que sí”, contó Tejada.
El 1 de septiembre será el cóctel de inauguración con los
artistas e invitados.
Laura Sepúlveda
Corresponsal de EL TIEMPO, 8 de agosto 2015.
ARMENIA
El 10 de agosto de 1942 nació en Filandia,
Quindío, Jairo Obando Soto, artífice de la colección ‘Mis afectos’ que por
estos días se expone en la Casa de
la Cultura de Barcelona. Obando, con voz pausada, típica de un hombre de su
edad, dialogó con LA CRÓNICA sobre los detalles de esta muestra artística
compuesta por 11 retratos donde el propio público se vincula de manera íntima.
Maestro Obando, sobre su última colección, ¿de qué se trata?
Se llama ‘Mis afectos’. Es una colección de 11 retratos de diferentes
personajes, por ejemplo, Hugo Chávez, por quien siento una gran admiración;
está Ernesto Guevara, que es un ícono indiscutible de la rebeldía; está mi
nieta y mi nieto, también el viejo maestro del que ya hablé, Antonio Madero;
Julio Cortázar, que creo es el mejor escritor que ha existido en la Tierra;
Ernesto Sábato, el pintor Amadeo Modigliani, de quien creo fue más un poeta que
pintor por la belleza de su obra, y otros a quienes les he dedicado un profundo
homenaje.
Háblenos sobre la técnica en la que sustenta ‘Mis afectos’.
Yo, muy tradicionalmente uso los materiales de siempre. He hecho pintura
básicamente al óleo, ha sido mi material favorito para pintar; últimamente a
esa pintura le he incorporado algunos elementos como espejos y relieves que, a
su vez, aparte de mostrar al personaje retratado, también muestra a quien
observa, en un afán por vincular al público con la obra.
En este momento, ¿dónde reposa la obra?
Se están exponiendo en este momento en la casa de la cultura de Barcelona, es
mi intención mover esta colección a varios municipios, todo depende de la
accesibilidad que me brinden.
En su obra se denota mucho el relieve, ¿por qué esta tendencia?
Como no puedo abandonar
la idea del modelaje y la arcilla hice muchas pinturas en las que incorporo los
relieves como forma para extraer la imagen de ese plano de dos dimensiones en
el que se convierte un lienzo.
¿Cuándo y cómo inicia su carrera artística?
Inicié modelando cerámica y pintando, este fue el fundamento con el cual
incursioné en el mundo de la escultura, eso fue por allá en los años 60 cuando
también ingresé a la Escuela Distrital de Cerámica, yo quería pintar, pero fue
lo que se me presentó en el momento.
¿Qué le dejó ese proceso inicial?
Todo, allí aprendí los rudimentos de la escultura y la pintura, este fue
el inicio de mi formación y por lo tanto fueron mis primeros pasos en el camino
de las artes plásticas, hoy, tras tantos años desde aquel entonces, aún sigo
trabajando en este campo.
¿Cuándo realizó su primera exposición?
Fue por esa misma época, en los años 60. A partir de ahí, cuando descubrí que
no podía seguir con la cerámica porque en el fondo no me gustaba tanto, me
dediqué a pintar. Esto fue por allá en el año 67, un año muy productivo porque
también efectué mi primera exposición que recuerdo se llamó ‘Vidas y rostros’,
una colección de retratos que se mostraron en la galería La Rebeca de Bogotá.
¿Qué siguió luego?
Pasé de Bogotá a Cúcuta donde permanecí por más de 40 años. Allí trabajé en el
instituto de Bellas Artes e hice mucho trabajo artístico, tengo allí un mural
muy reconocido en la plazoleta Luis Carlos Galán y otras obras importantes.
¿Se podría decir que fue en Cúcuta donde Obando adquiere esa
madurez artística?
Claro que sí. Allí maduré bastante como artista, aun cuando esa idea de artista
no me la dio la escuela, me la regaló un viejo al que quise mucho, Antonio
Madero, quien falleció hace pocos años. Él fue el director en sus inicios de la
Escuela de Arte de Bogotá.
¿Por qué después de todos esos años, decide retornar al Quindío?
Retorné al Quindío hace unos ocho años por cuestiones de tipo familiar que no
vienen al caso.
¿Tiene una musa de la inspiración?
No, soy un ser materialista que no cree
en musas o inspiraciones divinas. Todo lo que hago sale
de una intención, es un proceso de creación que toma su tiempo y en el que yo
encuentro los insumos para crear. Lo de las musas es un cliché artístico muy
trillado.
Tomado de La Crónica del Quindío
Variaciones, de Jairo Obando Soto
¿De dónde es Jairo Obando Soto?
Nací en Filandia, pero mi infancia la pasé en Armenia, luego me fui para Bogotá en donde estuve muchos años y finalmente viví largo tiempo en Cúcuta y estoy aquí en la capital quindiana.
Nací en Filandia, pero mi infancia la pasé en Armenia, luego me fui para Bogotá en donde estuve muchos años y finalmente viví largo tiempo en Cúcuta y estoy aquí en la capital quindiana.
¿Cuántos años tiene y desde cuándo está pintando?
Tengo 75 años y creo que estoy pintando desde el año 1967, tenía como 22 años, yo recuerdo que desde pequeño dibujaba y parece que no lo hacía mal.
Tengo 75 años y creo que estoy pintando desde el año 1967, tenía como 22 años, yo recuerdo que desde pequeño dibujaba y parece que no lo hacía mal.
¿Dónde estudió?
La primaria en Armenia y luego el bachillerato en Bogotá y asistí a la escuela de Cerámica. Siendo niño quería estudiar música, pero aquí no había dónde. Mi papá era amigo de un músico de la banda municipal y entonces le dijo que me enseñara y me dio un cuaderno para que me lo aprendiera y hasta ahí llegó mi afición por la música. Quise aprender entonces dibujo pero tampoco había dónde. Recuerdo que recién se pasó la alcaldía para la calle 23, allá hicieron una muestra con motivo de alguna celebración, y aunque estaba muy joven me di cuenta de que eran unas copias que había visto en alguna parte.
La primaria en Armenia y luego el bachillerato en Bogotá y asistí a la escuela de Cerámica. Siendo niño quería estudiar música, pero aquí no había dónde. Mi papá era amigo de un músico de la banda municipal y entonces le dijo que me enseñara y me dio un cuaderno para que me lo aprendiera y hasta ahí llegó mi afición por la música. Quise aprender entonces dibujo pero tampoco había dónde. Recuerdo que recién se pasó la alcaldía para la calle 23, allá hicieron una muestra con motivo de alguna celebración, y aunque estaba muy joven me di cuenta de que eran unas copias que había visto en alguna parte.
¿Qué pasó entonces?
Me fui de 13 o 14 años para Bogotá y un poco casualmente terminé metiéndome a la escuela distrital de Cerámica a estudiar cerámica que de algún modo esa es mi profesión. Yo trabajo con el volumen, con la escultura, pero ello requiere espacios muy adecuados, donde uno pueda hacer mugre porque cuando se trabaja con barro, yeso o con cemento no se puede hacer uno en un apartamento, así que la estudié y la practiqué poco. Hice una exposición de cerámica en el parque La Independencia de Bogotá recién salido de la escuela y no la volví a trabajar como tal, pero me dediqué a la pintura a la que me llevó la misma cerámica como se hacía en esa época.
Me fui de 13 o 14 años para Bogotá y un poco casualmente terminé metiéndome a la escuela distrital de Cerámica a estudiar cerámica que de algún modo esa es mi profesión. Yo trabajo con el volumen, con la escultura, pero ello requiere espacios muy adecuados, donde uno pueda hacer mugre porque cuando se trabaja con barro, yeso o con cemento no se puede hacer uno en un apartamento, así que la estudié y la practiqué poco. Hice una exposición de cerámica en el parque La Independencia de Bogotá recién salido de la escuela y no la volví a trabajar como tal, pero me dediqué a la pintura a la que me llevó la misma cerámica como se hacía en esa época.
¿Cómo es su pintura, qué representa?
Yo la llamo un poco ecléctica, una tendencia hacia lo abstracto pero sin abandonar por completo la figura. No la definiría como abstracta ni como figurativa, trato de no estar muy perdido en el pasado, ni tampoco con las extravagancias del muy célebre arte contemporáneo. Trato de estar entre las dos épocas entre la figura convencional y el arte moderno.
Yo la llamo un poco ecléctica, una tendencia hacia lo abstracto pero sin abandonar por completo la figura. No la definiría como abstracta ni como figurativa, trato de no estar muy perdido en el pasado, ni tampoco con las extravagancias del muy célebre arte contemporáneo. Trato de estar entre las dos épocas entre la figura convencional y el arte moderno.
¿Cuál es el tamaño de sus obras?
Me gustan los formatos de más de un metro, de 1,50 m y 1,80 m, pero también si tengo un pequeño formato de tela lo trabajo.
Me gustan los formatos de más de un metro, de 1,50 m y 1,80 m, pero también si tengo un pequeño formato de tela lo trabajo.
¿Y la técnica?
El óleo por lo general, utilizo mucho la espátula, pero también mezcló los pinceles, según las circunstancias.
El óleo por lo general, utilizo mucho la espátula, pero también mezcló los pinceles, según las circunstancias.
¿En qué se inspira cuando va a pintar?
Una pregunta difícil de contestar. Esa idea de la inspiración no ha calado mucho en mí, diría que se me ocurren cosas, como series sobre algo y la voy maquinando y me decido, por eso en mi trabajo hay una especie de repeticiones, aunque hay diferencias lógicas en colores.
Una pregunta difícil de contestar. Esa idea de la inspiración no ha calado mucho en mí, diría que se me ocurren cosas, como series sobre algo y la voy maquinando y me decido, por eso en mi trabajo hay una especie de repeticiones, aunque hay diferencias lógicas en colores.
¿Cómo así una serie?
Significa una serie de 10 obras sobre la misma temática. En la exposición en Maqui vamos a ver, una serie de 6 esculturas de madera de un metro y 1,50 m. Vamos a ver 11 de otra serie que varía entre los tonos, una parte es roja, otra azul, otra amarilla, otras serie de 6, una serie adherida a una superficie.
Significa una serie de 10 obras sobre la misma temática. En la exposición en Maqui vamos a ver, una serie de 6 esculturas de madera de un metro y 1,50 m. Vamos a ver 11 de otra serie que varía entre los tonos, una parte es roja, otra azul, otra amarilla, otras serie de 6, una serie adherida a una superficie.
¿Ya había realizado alguna exposición en el Quindío?
Claro, la primera hace unos 10 años en el Armenia Hotel. En Bogotá hice un par de exposiciones cuando recién salí de la escuela, me fui y cuando regresé a la capital de la República hice otras cuantas. A nivel internacional expuse en Caracas y una muestra colectiva en La Casa de las Américas en La Habana, Cuba.
Claro, la primera hace unos 10 años en el Armenia Hotel. En Bogotá hice un par de exposiciones cuando recién salí de la escuela, me fui y cuando regresé a la capital de la República hice otras cuantas. A nivel internacional expuse en Caracas y una muestra colectiva en La Casa de las Américas en La Habana, Cuba.
¿Hasta cuándo van a estar sus obras en el Maqui?
En teoría son 45 días, pero pueden estar un mes.
En teoría son 45 días, pero pueden estar un mes.
¿Para este año hay otra exposición de Jairo Obando en el Quindío?
Se está estudiando una en la sala Roberto Henao Buriticá de la gobernación, pero aún no hay nada concreto.
Se está estudiando una en la sala Roberto Henao Buriticá de la gobernación, pero aún no hay nada concreto.
Variaciones
Sobre
la obra del maestro Jairo Obando Soto, dice la curadora Martha González:
Trabaja
tanto la pintura como la escultura, inscribiéndose en la abstracción geométrica
en la cual predominan los colores planos, las figuras y las líneas. La lógica y
el cálculo organizan la obra geométrica lo cual se aviene muy bien con el
temperamento del artista.
En
sus últimas series, ha regresado a la escultura adaptándola a situaciones
contingentes de espacio que resaltan su recursividad reemplazando los
materiales tradicionales por madera rígida, pero conservando los colores planos
signo distintivo de lo geométrico. En la escultura los vacíos recuerdan a Henry
Moore, una de sus grandes influencias en el plano internacional. Obando nos
muestra cuerpos femeninos que, a pesar de la dureza del material y de los
trazos geométricos, conservan su sensualidad.
LA CRÓNICA
JULIO 17 DE 2017
EL TIEMPO
21 DE JULIO DE 2017
Exposición
En la sala Roberto Henao Buriticá de la gobernación del Quindío, se llevó a cabo el lanzamiento de la obra del gran maestro y artista de la región, Jairo Obando, llamada Trazos y huellas, que tuvo aproximadamente dos años de preparación.
LA CRÓNICA DEL QUINDÍO - ARMENIA - 8/julio/2019
Murió en Armenia el 10 de agosto de 2019.
Amigos del artistas Jairo Obando se reúnen para dar último adiós al maestro
Este lunes, artistas amigos del maestro Jairo Obando Soto, se reúnen para despedir al pintor filandeño.
Jairo Obando Soto, QEPD
El artista que falleció el pasado 10 de agosto tendrá sus honras fúnebres este lunes a partir de las 9:00 de la mañana. Desde el Fondo mixto de la cultura y las artes del departamento del Quindío, se envió un mensaje de condolencias y se invitó a este acto.
“El Fondo mixto lamenta profundamente el fallecimiento del maestro Jairo Obando e invita a los artistas de la ciudad a acompañar a su familia. este lunes de 9:00 a 11:00 a. m. en la funeraria Los Olivos nos reuniremos un grupo de artistas amigos del maestro, cordialmente los invitamos a unirsenos, gracias por su atención”.
“El Fondo mixto lamenta profundamente el fallecimiento del maestro Jairo Obando e invita a los artistas de la ciudad a acompañar a su familia. este lunes de 9:00 a 11:00 a. m. en la funeraria Los Olivos nos reuniremos un grupo de artistas amigos del maestro, cordialmente los invitamos a unirsenos, gracias por su atención”.
El maestro, que también escribía poemas, en 2017 presentó su obra Allá tu cielo no es el mío. Nació en Filandia pero se crió en Armenia, también vivió en Bogotá y en Cúcuta durante muchos años. Tenía 77 años de edad y se inició en el arte desde 1967 cuando tenía 22 años.
En una entrevista para LA CRÓNICA en 2017 explicó sus trabajos, que “yo la llamo un poco ecléctica, una tendencia hacia lo abstracto pero sin abandonar por completo la figura. No la definiría como abstracta ni como figurativa, trato de no estar muy perdido en el pasado, ni tampoco con las extravagancias del muy célebre arte contemporáneo. Trato de estar entre las dos épocas entre la figura convencional y el arte moderno”.
En una entrevista para LA CRÓNICA en 2017 explicó sus trabajos, que “yo la llamo un poco ecléctica, una tendencia hacia lo abstracto pero sin abandonar por completo la figura. No la definiría como abstracta ni como figurativa, trato de no estar muy perdido en el pasado, ni tampoco con las extravagancias del muy célebre arte contemporáneo. Trato de estar entre las dos épocas entre la figura convencional y el arte moderno”.
Lily Dayana Restrepo
LA CRÓNICA
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